No final de 1839, em Paris, alguns meses depois que o mundo recebeu uma variedade precoce de fotografia chamada Dagerrotype, uma ilustração hilária apareceu, alertando que essa pequena imagem pornde. Na imaginação de Theodore Morisse, o Dagterrotype causará uma histeria coletiva, La DaguerréotyMomanie, na qual as massas perturbadas de pessoas chegarão de toda a Terra e capturarão um pequeno estúdio de fotos. Alguns querem tirar suas fotos, mas, Mon Dieu, outros exigem que as câmeras tirem suas próprias fotos – Morissa mostra como eles carregam os dispositivos, como contrabando, em barcos a vapor que vão para portos estrangeiros – e a terceira multidão para apenas olhar para este novo e novo coisa e todos esses procedimentos malucos em torno disso. A agitação está tão febril que leva a alucinações em massa, nas quais quase tudo ao redor do estúdio, incluindo vagões, uma torre com um relógio, uma cesta de balão e em geral tudo o que tem uma forma remotamente encaixada se transforma em câmaras. Enquanto eles vão ao estúdio, a multidão passa pela mei a-forca, na qual, em resposta ao aparecimento de um daguerótipo artistas enforcados. As pessoas dificilmente percebem isso.
- Imagem de criatividade ilimitada na ponta dos dedos
- Capas com fio clássicas regeneradas por inteligência artificial
Que barulho! Que pânico! Por que não? Antes do aparecimento da fotografia, os artistas possuíam quase o monopólio de uma imagem artística. O ofício deles era considerado o principal meio de criar imagens.(É claro que as impressoras e ilustradores tinham suas próprias idéias sobre o valor de suas pinturas, mas os artistas geralmente os consideravam primos mais jovens). Mas agora esses fotógrafos estúpidos, a maioria dos quais eram amadores ou, pior ainda, com artistas desleais ou malsucedidos, terão um emprego. Pela primeira vez, vendo o Dagerrotype por volta de 1840, o artista francês Paul DeLarosh, cujos alunos mudarão em breve para a fotografia, como dizem, exclamou: “A partir de hoje, a pintura está morta!”
A história das relações iniciais de pintura e fotografias não é inteiramente semelhante ao quebr a-cabeça que a arte criada pela inteligência artificial cria hoje. Geradores de imagens como Dall-E 2, Midjourney e Difusão estável podem refazer a imagem existente para que nenhuma câmera possa chegar perto dela. Mas compare a exclamação de DeLarosh com os gritos de Jason Allen de Pueblo-Uest, Colorado, que em setembro do ano passado recebeu o primeiro prêmio de IA gerada em uma competição de arte na Feira Estadual Anual. O prêmio de US $ 300 foi modesto, sim, mas isso não impediu que Allen se gabasse.”A arte está morta, cara”, disse ele mais tarde.”Acabou. Ai venceu. As pessoas perderam.”Novas ferramentas geralmente causam declarações grandiosas sobre sua influência e também nos dão a oportunidade de pensar se a história tem algo que pode nos ensinar sobre sua previsão.
No século 19, a pintura, pelo menos, não morreu. E nem sequer sofreu com um frio leve. Os artistas não perderam o emprego, e o próprio DeLarosh continuou a escrever alguns de seus trabalhos mais monumentais e ambiciosos. Eu suspeito que ele nunca esteve realmente preocupado que ele fosse substituído, e ele e outros tocaram essa ansiedade, porque foram fofocas suculentas, a oportunidade de girar sobre o gosto sem gosto ou simplesmente a vulgaridade dos críticos, mas na verdade foi útil para os negócios .
No entanto, a idéia de Morisse sobre as massas que assumem a paisagem não era completamente errônea. O número de pessoas que queriam sentar na frente da câmera ou procurar câmeras não era apenas inúmeras, mas também diversas. Como regra, eles pertenciam a um grupo completamente diferente de clientes daqueles que apoiaram os pintores – esses eram representantes das classes médias e trabalhadoras, cuja capacidade anterior de comprar ou fazer imagens era quase zero. Na época, que também incluiu reformas para expandir os direitos eleitorais, discursos iniciais para os direitos das mulheres e a abolição da escravidão (primeiro no Reino Unido e depois nos EUA), a câmera adquiriu uma certa atmosfera democrática. Frederick Douglas, um grande abolicionista e e x-escravo, foi tão capturado por suas capacidades que, ao longo de sua vida, ele fez mais de 160 retratos diferentes – mais do que qualquer outro americano no século XIX – acreditando que, com sua ajuda, ele será capaz de insistir por seu próprio carinho e dignidade. A câmera era potencialmente um instrumento de todos (isso não é totalmente verdadeiro, mas era uma promessa de modelar como Douglas), e isso raramente era discutido sobre pintura.
Naqueles primeiros tempos, duas mídias tinham mercados diferentes; Os artistas confirmaram, e os fotógrafos dificilmente penetraram na exclusividade das exposições de treinamento e arte. Até os fotógrafos de arte mais qualificados e configurados lutaram constantemente com o status baixo que dava ao seu ofício um estabelecimento artístico. Embora a pintura como prática de estúdio tenha se tornado uma oferta padrão em faculdades já na década de 1860 (pelo menos na Nova Inglaterra), as fotografias levaram mais 75 anos para encontrar apoio frágil no ensino superior. Somente na década de 1930, os museus de arte começaram a comprar e mostrar regularmente fotos.
Este artigo foi publicado na edição de fevereiro de 2023. Inscrev a-se no Wired. Foto: Peter Young
As primeiras câmeras, como regra, eram dispositivos grandes, exigiram um tripé forte e muito barulho com produtos químicos para obter um negativo para uso. Eles tinham persianas muito lentas, precisavam de muita luz e, como os negativos precisavam ser mostrados e consertados imediatamente, um laboratório de fotos quase sempre era necessário à distância de um braço estendido. Portanto, em regra, eles eram mais adequados para atirar objetos que permaneceram em seus lugares: bugigangas, edifícios, paisagens e paisagens da cidade – tudo o que não interferia no foco ou na exposição. É bastante previsível, embora seja terrível que os primeiros fotógrafos, indo para a frente, estivessem procurando por ações não tensas da batalha, mas os cadáveres que poderiam ser encontrados depois dela. As imagens resultantes da ironia do destino, ainda mais popularizadas histórias imóveis ou congeladas entre artistas, e finalmente ajudaram a mudar a hierarquia de ambições pitorescas: do desejo de pinturas narrativas complexas para as cenas e objetos da vida cotidiana.
Além da influência sobre o que ver, as câmeras trouxeram um novo entendimento das nuances de como ver. Especialmente depois que os fabricantes apresentaram uma câmera manual modesta, os artistas descobriram os modos de visão que antes eram considerados indignos da tela: uma aparência acidental, vislumbre instantânea, uma aparência estranha; Ou, em um sentido mais rude, o olhar paparazzi, um visual voyeuriano, espionagem secreta. Além disso, com a câmera, sempre existe o risco de desfocar, desfocar, não intencional e acidente; E uma das versões ortodoxas na história dos estados artísticos que as formas de expressão modernistas investigavam todas elas. De fato, é difícil olhar para algumas obra s-primas do final do século 19 – digamos, a todo esse sol, embaçado pelo feno de Monet, ou em cenas felizes e felizes no Renoir Cafe, ou nesses estrangamente localizados, bocejando, estranho Ballerinas Degas – e não reconhece a influência da fotografia.
